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在已经过去的2020年的年底,有一波台片来袭,《消失的情人节》《刻在你心底的名字》《无声》,包括即将到来的《同学麦娜丝》等等一批作品纷纷上线。

在这堆话题度居高不下的作品中,去年台片本土的票房冠军,却是一部非常质朴的家庭电影。

就是这部《孤味》,相比于之前一堆口碑不尽如人意的台片,本片豆瓣评分却始终保持在8.0分,可以说是十分惊喜了。

它不仅是2020年第一个票房冲破两亿台币的台片,女主角陈淑芳更凭借本片拿下金马最佳女主角。

在说获奖感言时,淑芳阿姨还表示:“片酬不会涨价,如果是学生作品,价格还减半。”

(陈淑芳还凭借《亲爱的房客》同时拿下最佳女配角)

不过,《孤味》也确实是一部影坛新人的作品,它改编自导演许承杰2017年的同名短片。

而本片,正是他的长片处女作。

(2017:短片《孤味》)

这是一个充满着浓浓台味的作品,也是台片很常见的家庭题材。

故事关于一个只剩下祖孙三代,六个女人的的台南家族。

相似的题材已经屡见不鲜,譬如李安的《饮食男女》,就从吃食讲起,进入一个传统家庭的内部。

(1994《饮食男女》)

抑或是是枝裕和的《海街日记》,突然到来的父亲的葬礼,让四个姐妹重聚。

(2015《海街日记》)

看起来很相似,但家庭的变奏却是一个永远说不尽的话题。

《孤味》的特别之处,就在于它在地性空间中,传统家庭羁绊的复归,以及真诚的勾勒出了一个“女人构建家庭”的情感真相。

本片一开始,就是年近古稀的林秀美,目光灼灼的在市场里挑选自己七十大寿的食材。

她对这里似乎特别熟悉,每个商户都热情的喊她“林小姐”。

就在紧锣密鼓的大寿前夕,消失了十几年的丈夫,突然回到台南,病重、去世。

这也就意味着,早已经与他形同陌路的林秀英和三个女儿,要接下承办丈夫身后事的任务。

也就是林秀英说的那句:“活着的时候不在,死了回来找麻烦。”

向上追溯,这是一个非常普遍的台南家庭故事。

父亲长年欠债,不着家,终于抛妻弃子远走高飞。母亲拉扯着三个女儿,逐渐形成一个大家庭。

但,林秀英却不是一个胆小、传统的女人。

她独自一人,从卖虾卷的小摊做到饭店,抚养了三个女儿长大。

她是坚强的、不服输的,甚至是强势的。

也就是这股劲儿,让她几十年来都不愿签下那封由台北南下的离婚书。

和丈夫的身后事一起随之而来的,是陪伴了丈夫后半生的女人蔡美林。

这个陪伴了丈夫后半生的女人,不争不抢,只远远的传达着男人的遗志,希望能遵照他的意思回到家中置办丧礼。

《孤味》到这里也就展开了两条互相交织的叙事线索,这也暗合着家庭结构的某种实质。

当几个女人为了同为自己丈夫、父亲、爷爷的男人,举办一场葬礼之时。

母亲和蔡美林的制衡,钩沉起了这个一直以来只有女人的家的陈年回忆,不断摇摆着三个女儿的心境。

她们各自看似平静的生活实则深深的嵌套在原生家庭中,不断磨合着。

大女儿阿青是一个舞蹈家,全然艺术家做派。自由不拘,随心所欲,不断的换着男友,过着四处漂泊的生活。

为爸守丧时,缺席的她,面对妹妹的质问,简单的一句:“你也可以出去逛逛啊。”就四两拨了千斤。

这样任性妄为的生活方式,其实在和她和家庭的关系中早已有迹可循。

母亲常常恨铁不成钢的说她“和你爸一模一样。”

但是,也恰恰是阿青这个大姐在成长期,最深切的体会着父亲的失职与母亲的辛劳。

她逐渐被赋予了一种与生俱来的负罪感,一种明明没有做错,却不知向谁道歉的无力感不断侵蚀着她。

片中援引陈升的《风筝》作为阿青最爱的歌曲,也就再恰当不过了。

“因为我知道你是个容易担心的小孩子,所以我在飞翔的时候也不敢飞的太远。”

她看似自由,实则是一种“风筝”般的保护机制,在剧烈的不安之下,是家人拽拽绳子就可以立马回归的执念。

就在家中隐痛被再次翻上台面时,三年前的乳腺癌却再度复发,阿青的孤独感再度攀升到极点。

面对母亲殷切的说着:“我照顾你”时,

她的第一反应却是:“我病治不好,不就变成了是我对不起你。”

阿青需要在目睹着母亲和父亲和解的过程中,也告解了不愿卸下防备的自己。

而二姐阿瑜,很容易让人联想到《海街日记》中绫濑遥扮演的二姐。

上有一个不靠谱的大姐,下有一个年幼的小妹,她倒成了最成熟稳重的那一个,干什么都条理清楚。

早早的结婚生子,从小品学兼优,一路读医科大,成了逢年过节长辈挂在嘴边的子女。

也就是这种严肃、刻板,她常常被大姐揶揄为“妈妈的翻版”

就是这样的阿瑜,自己的家庭内部却很紧绷,一心想送女儿去美国读书。

女儿小澄却极其排斥,有机会就躲在阿嬷身边。

这个执念,让她的控制欲日渐上涨,和老公孩子的关系都有些紧张。

在回乡奔丧的过程中,母亲情绪的起伏成了阿瑜自我的镜像。

从小作为家里最乖的那一个,她痴痴的以为自己成绩的好坏就是弥合父母裂痕的解药。

长期以来高度的自我要求,深入骨髓的讨好本能,都让成年的阿瑜无法释怀。

她在成长过程中,变相的和母亲一同承担了婚姻不幸,眼看着母亲是如何的被束缚、从不了了之到隐而不发。

所以,送女儿去美国是转嫁的执念。

因为留在这里就意味着和母亲一样,和她一样:“生活里只有结婚生子。”

而最小的佳佳,从小就受着家人的保护,两个姐姐不会告诉她家中的隐秘,母亲直接让她接手餐厅,衣食无忧。

相比于母亲的郁郁不平,她居然更能共情到父亲的情人蔡阿姨的心情。

出生较晚的她,只和父亲见过寥寥几次。

那些年少时,偶尔几次的甜蜜相处,都成了一个乌托邦般的回忆。

在父亲濒死之际,回到台南之时。

佳佳选择在与蔡阿姨密切的往来中,努力构建着一个有父亲的时光,自行弥补着注定缺失的东西。

片中的几个女人,从层次到性格都十分鲜明,她们的世界看似被纠集在一个男人的身上,但实际上展现的却是个人与家庭的深刻关系。

这种矛盾,以女人的面貌去呈现是再恰当不过了。

戴锦华在受访时说过,谁不是长于妇人之手,“女性实际上是前显的中国内在逻辑的运营者、教育者、持有者。”

从这种层面看,这也是本片的特别之处。它通过几位女性人物的构建,触及了对中国传统家庭结构的一种面向。

家庭的本质,不仅仅是颠扑不破,也在于它的脆弱和自反。

从母亲秀英到三个女儿,以及小孙女,每个人都有自己的生活,自己的站位。

在几场群戏中,母女之间的对峙就非常明显。

当母亲控诉着女儿们几十年来没有一句“谢谢”时,

小妹佳佳却希望母亲理解蔡阿姨,理解一种“同为女人的滋味”。

这样永远错位的相处、进行时的磨合,恰恰是家庭的脆弱之处。

影片的片名“孤味”就像是一个一语双关。

家庭实际上意味着一个“离去-复归”的循环,每个人终究都是一个个体,仅仅携带着家庭的某种印记。

而这些看似独立的生活,又因为家庭的情感羁绊,层层叠叠的嵌套在一起。

老中青三代女人在守丧的短短几天,不断细细复盘着自己的生命经验,才发现所谓的“个体”恰恰正是母亲、姐妹、父母经验的重叠和延伸。

在这个意义上,在影片末尾处,母亲林秀英将灵堂的照片,从一张丈夫年轻时的样子,换成了自己“不在场”是,丈夫暮年的样子。

这不是单纯的“和解”、“放手”,而是对生命意义的堪破。

那些过程、感受、经验远远比扭在手中的执念更有意义,母亲签下后再火化的离婚证明,才是送给此时的自己最好的礼物。

到这里,尽管子一辈终将和父母远去。

但秀英作为一个家庭内在逻辑的构建者,早已使女儿们通过母亲的和解,各自实现了对自我的检视。

这种情感力量的达成,之所以能如此有血有肉,在很大程度上得益于演员的表演。

几位女演员极具信服力的表演,让本片在较为中规中矩的叙述中,达到了最大的共情可能。

全片的戏眼都围绕在陈淑芳扮演的母亲林秀英身上,她三分悲悯,三分威严的表演,在平实的情节中牢牢抓住观众的眼球。

无论是老辣沉稳,还是泫而欲泣,都时刻在为本片的氛围感加码。

如今已经82岁高龄的她就是一部活着的台湾当代影剧发展史。

不仅是侯孝贤电影中永远的母亲,也贯穿在杨德昌、吴念真等一众台湾新电影导演的作品中。

(1985:杨德昌《青梅竹马》)

而在观影过程,另一个我们不可能忽视的演员,就是凭借《谁先爱上他的》拿下金马影后的谢盈萱。

(2018:《谁先爱上他的》)

大姐这个人物是三个女儿中着墨最多,也最难表现的。

谢盈萱将一个女儿面对母女关系和病痛时,轻盈又沉重的矛盾完全表现出来,且毫不喧宾夺主。

也正是这些演员们的精彩表演,奉献了今年华语电影中难得一见的女性群像,使一种似要消失的台片家庭味道,重新回到银幕之上。

对于家庭结构、亲情关系,甚至是爱,每个人都有自己的角度和答案,它们没有对错,只有永远的磨合和相处。

感兴趣的朋友,千万不要错过这部温情的新片,可以去看了!